一些琐事：

今年是《盗梦空间》成立十周年。

没想到，距离诺兰为我们创造的梦想已经过去了10年。

无法阻挡的巅峰、翻转的反转世界……

也许你已经记不清深入的故事了，但电影中总有一个视觉点始终萦绕在你的脑海里。

今年，俄罗斯还制作了《盗梦空间》—— 《异界》版本。

故事自然不像诺兰那样严谨，但美丽多变的梦境建筑确实令人惊叹。

俄罗斯的苏联时代建筑、中国的古色古香的街道、威尼斯的水城、雾中的洛杉矶大桥……

想象、记忆、梦想的三维虚幻电影世界，让《异界》在故事设定中结识了很多好朋友。

从这些电影可以看出，在所有的艺术门类中，建筑和电影是最有关联性的。

中国著名建筑师贝聿铭因对电影的热爱而进入建筑领域。

贝聿铭(1917-2019)

代表作品：北京香山宾馆、苏州博物馆、卢浮宫金字塔

电影是梦想的艺术，而建筑的存在有时会让这种梦想变得更加神奇和宏伟。

蒸汽朋克、工业废墟、巨人恐惧……

在各种千奇百怪的电影风格中，总有一种能让你印象深刻。

接下来我们就来盘点10部因建筑而具有独特美感的电影，看看你最喜欢哪一部：

都会

都会

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1927年

《大都会》的出现可以说定义了科幻电影中未来城市的概念。

在那个没有特效的时代，导演、艺术总监完全依靠手绘绘画进行创作。

场景基本由面具画、传统绘画、木浮雕和三维模型四部分组成。

左：概念设计图右：电影剧照

影片首映后，评价褒贬不一。

制片人不得不一次又一次地缩短影片的时长。

影片从最初的210分钟被剪辑到了后期的91分钟，这使得故事缺乏叙事逻辑。

但即使没有叙事，电影中非常规的建筑也给观众带来了对未来世界的无限想象。

市中心高耸的巴别塔、黑暗混乱的工厂、无尽的空中交通、永不停息的齿轮……

建筑形式预示着未来世界臃肿的机械文明和阶级撕裂的对抗。

《大都会》深受德国表现主义影响，所以大部分建筑都坚固而恐怖。

表现主义，重要的现代艺术流派之一。 20世纪初流行于德国、法国等地的一个文学艺术流派。表现主义艺术家注重通过作品表达内心情感，而作品往往表现为对现实的扭曲和抽象。

不自然的视角会产生空间张力感，扭曲人们的观看体验。

这使得它能够创造出电影史上难以超越的视觉效果。

一百年过去了，《大都会》也经受住了时间的考验，影响了几乎所有未来的科幻电影。

例如《第五元素》 《黑客帝国》 《星球大战》 ……

2001年，联合国教科文组织将《大都会》列为“世界文献遗产”。

顶部：《大都会》 底部：《星球大战》

西北偏北

西北偏北

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1959年

事实上，电影界的许多艺术总监都接受过建筑方面的专业培训。

尤其是在大萧条时期，许多建筑师失业并不得不转行。

有些人选择成为电影艺术总监。

例如，罗伯特·博伊尔去了派拉蒙艺术部。

罗伯特去那里后，与大导演希区柯克合作。

从1942年的《海角擒凶》开始，两人合作了很多伟大的电影。

由此，罗伯特四次获得奥斯卡最佳艺术指导提名（《西北偏北》 《艳窟大扫荡》 《屋上的提琴手》 《神枪手》）。

2008年，获得第80届奥斯卡终身成就奖。

熟悉西庞的人都知道，他的电影基本都是在室内拍摄的。

这对室内设计提出了很高的要求。

在那个特效还不为人知的时代，西发的电影常常出人意料。

尤其是《后窗》这一款，将构图与建筑完美融合。

随后的《西北偏北》将该建筑置于更重要的位置。

开放办公楼的铁框镜将空间分隔开来，形成了一个巨大的网格系统。

联合国的室内设计体现了现代主义的简约质感。

追逐戏是在拉什莫尔山拍摄的，巨大的总统雕像赋予了深刻的历史感。

范达姆的家参考了著名的私人住宅流水别墅，暗示了该角色的黑暗神秘。

上：电影中的Van Damme House 下：流水别墅

西发的电影不仅故事惊心动魄，场景设计也前卫。

一代电影大师，果然名不虚传。

2001: 太空漫游

2001: 太空漫游

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1968年

传说库布里克的《2001:太空漫游》是剑桥大学建筑系的电影参考。

这也是建筑师一生必看的电影。

作为完美主义的典范，库神电影中的建筑精美得难以想象。

他不仅邀请了认真的宇航员来确保科学的严谨性和准确性。

还邀请艺术家创作极具视觉冲击力的形态图像。

建筑也借助电影的想象力挣脱了现实的束缚，开始进行富有想象力的组合。

如果《大都会》有更多表现主义的荒诞。

那个《2001:太空漫游》是人类虚无主义空间想象的延伸。

在原始宇宙中，人类的出现是自我进化吗？还是先进文明的实验？

电影没有给出答案，只留下一个空荡荡的场景，没有完成的意义。

斯塔利克

跟踪者

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1979年

苏联导演安德烈·塔可夫斯基和库布里克是两个完全相反的人。

一个是极其感性的，一个是极其理性的。

对电影的不同态度让两人互相看不起对方。

左：库布里克《全金属外壳》 右：塔可夫斯基《镜子》

两位导演对同一件事采用不同的表现手法

塔可夫斯基被誉为“电影诗人”。

对他来说，电影是一座雕塑，也是一首诗。

他讨厌故事。

换句话说，他不屑用电影来娱乐大众，而更喜欢用电影本身的魅力来吸引大众。

《潜行者》 讲述了一个来自太空的神秘物体坠入一个虚构国家的故事。

塔可夫斯基所追求的自然质感在影片中随处可见。

例如，水和火等元素。

他更喜欢体积光。

让尘埃配合阳光，在光线照射下后呈现出神圣的光泽，或者说是一种奇异而凄凉的冰冷感觉。

塔可夫斯基的空间构图方法也间接影响了许多后来的导演。

比如比干诗意的凯里（《路边野餐》）、伊纳里图寒冷痛苦的荒野（《荒野猎人》）……

《荒野猎人》

然而遗憾的是，正是这个《潜行者》导致了塔可夫斯基的死亡。

为了这部电影，塔可夫斯基花了很多年的时间浸泡在充满化学物质的肮脏沟渠中，并暴露在核辐射的侵蚀之下。

不久之后，他就去世了……（享年54岁）

英雄

英雄

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2002年

摄影师出身的张艺谋非常擅长运用色彩，更喜欢用色彩来讲述故事。

他的电影大多注重色彩与故事的搭配。

时至今日，国际电影界还没有电影大师敢如此大胆地使用色彩。

《满城尽带黄金甲》

纵观他的电影作品，《英雄》无疑是他被严重低估的作品之一。

电影以黑色作为故事的主基调。

搭配红、蓝、白、绿。

用四种颜色讲述一个与《罗生门》颇为相似的故事。

红色绚丽，人性的纠葛被飞箭刺穿。

蓝芷冷然做出了理智的决定，完成了自己的侠义选择。

白色的简约代表着冷静中的中庸之道。

绿色自然能看透红尘，感悟人间正气。

大师的东方美学造诣确实令人敬佩。

我只是感叹我的杰作已经过去二十年了。

我再也没有体会到被色彩原本的生命力击中的酣畅淋漓的感觉。

近年来，能够引起公众对东方美学的自豪感并引发广泛讨论的作品只有两部。

仅电影《妖猫传》和电视剧《长安十二时辰》。

只希望电影人能够更多地吸收祖国的精华，创作出祖国独特、高度美丽的作品。

秋天

落下

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2006年

事实上，我们熟悉的电影术语“蒙太奇”原本是一个建筑术语。

创造它的电影大师谢尔盖·爱森斯坦也是一位建筑师。

他受到雅典卫城视角的启发，并将其带入电影世界。

《坠入》 开篇是一组蒙太奇镜头。

时空的错序与重组，为后续虚实相呼应的剧情奠定了基础。

不得不说，《坠入》是一部非常好看的电影。

它太美了，让你记住所有宏大的视觉场景，却忘记了故事的背景。

辛泰欣导演是一位音乐录影带导演，所以他的视觉控制力令人惊叹。

为了这个虚构的魔法故事，Tasim Sin 走遍了25 个国家。

从阿克巴陵墓，到泰姬陵，到中国的长城，漓江.

实景拍摄下，没有任何虚假特效，电影每一帧的建筑美感都令人难忘。

纳米比亚索苏斯盐沼

简塔·曼塔天文台

印度阶梯井

班公湖

焦特布尔，印度的蓝色之城

美丽之城

美丽的城市

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2013年

意大利电影似乎与生俱来就带有浓郁的艺术气息和迷人的浪漫主义色彩。

保罗·索伦蒂诺是一位能够挖掘意大利电影精髓的导演。

作为当今意大利电影的主要旗手，保罗的作品并不多。

回顾他的艺术成就，影片《绝美之城》（荣获第86届奥斯卡最佳外语片奖）无疑是最出色的。

《绝美之城》的叙事性较弱，更像是一部关于罗马的风景纪录片。

导演用男人的视角去窥探和发现罗马最美的瞬间。

圣像上流淌的光影，是历史流逝的痕迹。

斗兽场纪念碑的灰尘落在每个人的身上，化作不舍的泪水……

冰冷而神秘的罗马就像一首华丽的咏叹调。

让人沉醉，不愿独自醒来。

布达佩斯大饭店

布达佩斯大饭店

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2014年

《布达佩斯大饭店》可以说是重度强迫症患者韦斯·安德森的代表作。

安德森童年的梦想是成为一名建筑师。

巧妙的布局、严格的对称、柔和、高饱和的色调。

整部电影就像一块马卡龙，让人忍不住想咬一口。

虽然故事讲述的是一起谋杀案，但童话风格弱化了故事的残酷性。

整齐的构图、有序的逻辑，形成舒适、安全的视觉美感。

但安德森不会要求太多的对称性，这会让画面变得僵硬和乏味。

因此，他会在画面上安排一些差异，以平衡对称的直线度。

下半年，安德森新片《法兰西特派》即将上映。

仍然是同样的《布达佩斯大饭店》 机组人员，具有熟悉的对称结构。

对于强迫症影迷来说，真是福音啊！

《法兰西特派》拖车

银翼杀手2049

银翼杀手2049

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2017年

《银翼杀手》吸收了以往众多科幻杰作的精华，开创了“赛博朋克”风潮。

这种高概念的确立完全归功于影片的艺术总监劳伦斯·G·鲍尔。

波尔也是一名建筑师和城市规划师。

因此，他对未来世界的设定更加细致，甚至细化到管道铺设等生活细节。

35年后，《银翼杀手2049》在丹尼斯·维伦纽瓦的镜头下绽放出独特的韵味。

沙黄、黑夜、霓虹、冷蓝、脏土……

流动、弥漫、静止……

《银翼杀手2049》在延续经典的同时，也注入了更多的东西。

电影中失落的拉斯维加斯色彩设定受到2009年悉尼红色风暴的影响。

上图：剧照下图：2009 年悉尼

影片的建筑借鉴了20世纪50-70年代流行的野兽派风格，以达到沉伟想要的“野兽派”。

比如洛杉矶警察总部、城市防护墙……

它们都呈现出材质的原始、粗犷，带来厚重感。

同时，影片还借鉴了日本建筑师安藤忠雄的建筑作品。

公司门口接待处的灯带是从墙中间撕下来的一条平缝。

浓密的黄光是斜光。它没有任何温暖，反而带来冰冷的质感。

平缝的尺寸让人不舒服，需要正常身高的人低下头，暗示着公司的傲慢。

安藤忠雄美术馆

影片并没有过度使用霓虹色，而是克制了光源的投射。

特别是利用水波纹和裂隙灯营造出一种模糊的、超时空的质感。

安藤忠雄设计的越野住宅

不仅如此，电影还参考了许多其他特色建筑。

例如，巨型雕像的创意就取自美国的“火人节”。

这些富有想象力的肖像展现了这座城市幽灵般的一面。

火人节的燃烧巨像

特殊效果是有时间限制的。

当我们回顾10年前的特效电影时，我们难免会觉得它们很粗糙。

但沉伟的电影总是恰当地运用特效，使光、影、色调、建筑设计充满个人的审美特征。

从这一点来看，他的下一个《沙丘》不会让人失望。

寄生虫

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2019年

《寄生虫》被大多数人称为社会讽刺片，但也有人称之为建筑片。

开拍前，奉俊昊就明确安排了整部影片的构图。

为了达到他想要的效果，他命人特意修建了朴家大宅和半地下室。

奉俊昊并不太追求视觉美感。他更关心的是让场景能够承载电影的主题。

他定下的濮家宅邸，简洁而宽敞。

半地下室拥挤而黑暗。

作为比较，两栋房屋都有一个“主窗户”。

一个面向沾满尿液的街角，另一个面向修剪整齐的草坪。

这就是人类的场景，即场景本身就包含着巨大的信息量。

奉俊昊从建筑的特性出发，投射阶级对立的矛盾。

构图可以对比两个家庭人物之间的阶级差距。

同时，奉俊昊也让建筑配合故事的发展，灌输“渗透”的概念，并对“寄生”给予多重诠释。

全片的高潮就是金家冒着大雨逃亡的场景。

三人下了山，周围的景色逐渐缩小。

流水跟着他们从上到下，最后落入封闭且被水淹没的地下室。

那一刻，影片的悲伤情绪达到了顶峰。

那么，为什么《寄生虫》能够同时获得戛纳金棕榈奖和奥斯卡小金人呢？

仔细一看，也不无道理。

人人都说建筑是凝固的音乐。

如今，我们也可以说建筑是一张凝固的胶片。

电影与建筑这两个看似毫不相关的艺术门类的融合，实际上迸发出如此巨大的能量。

这是出乎意料的。

正如建筑师里伯斯金所说：

“两者无非就是讲故事、感动人、讲道理。”

建筑正在一步步重塑电影，也为我们提供了另一种探索电影维度的方式。

不禁感叹，电影的魅力真是无穷无尽。

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